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Es un plátano. Es arte. Y ahora es el problema del Guggenheim.

Las obras de arte efímeras, como la creación de Maurizio Cattelan a partir de frutas, a menudo pueden plantear desafíos de conservación para los museos que las poseen.

• New York Times
• Por Graham Bowley

Pocas obras de arte vendidas en los últimos años han llamado tanto la atención como “Comediante” del artista italiano Maurizio Cattelan, en parte porque, a pesar de su precio y humor irónico, es en el fondo un plátano que se pega a la pared.

La astuta simplicidad de la obra atrajo a los coleccionistas a pagar hasta 150.000 dólares por ella en una feria de arte de Miami el otoño pasado, un acto de conocimiento que los deleitó pero que asombró a muchas personas que no habían imaginado que una, um, «escultura» de fruta en un Wall podría tener ese precio.
Ahora el mérito estético de la obra está siendo reforzada por el Museo Guggenheim de Manhattan, que la acepta en su colección como una donación anónima.
“Estamos agradecidos de recibir el regalo de ‘Comediante’, una demostración más de la hábil conexión del artista con la historia del arte moderno”, dijo el director del Guggenheim, Richard Armstrong. «Más allá de eso, ofrece poco estrés a nuestro almacenamiento».

La sorprendente sencillez de “Comedian” llamó la atención y muchos selfies en Miami.Crédito…John Taggart para The New York Times

De hecho, «Comedian», tal como se vende, no incluye plátano ni cinta. Lo que se compra es un «certificado de autenticidad», una lista sorprendentemente detallada de 14 páginas de instrucciones, con diagramas, sobre cómo se debe instalar y exhibir la banana.
Lena Stringari, conservadora en jefe del Guggenheim, dijo que las instrucciones serán bastante fáciles de seguir y bastante completas para abordar preguntas como la frecuencia con la que se deben cambiar los plátanos (de 7 a 10 días) y dónde colocarlos («175 cm sobre el suelo»).
“De todos los trabajos que tengo que enfrentar, este es probablemente uno de los más simples”, dijo la Sra. Stringari. «Es cinta adhesiva y un plátano», agregó.
La conservación del arte conceptual no siempre es tan sencilla para los museos a los que se les pide cada vez más que conserven obras hechas de todo tipo de sustancias efímeras, como la comida.

El “Módulo de construcción de tortillas” del artista mexicano Damián Ortega, de la colección del Guggenheim, utiliza tortillas para crear estructuras. Crédito…Fundación Solomon R. Guggenheim; Kristopher McKay
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“Artist’s Breath”, obra de 1960 del artista italiano Piero Manzoni. El globo se infló inicialmente pero perdió su forma con el tiempo.Crédito…Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York / SIAE, Roma

¿Cómo se cuida una maqueta de una ciudad argelina hecha de cuscús? ¿Una escultura hecha de tortillas entrelazadas ? ¿Fruta atascada en un perchero ? (Todas las obras que ha mostrado el Guggenheim).
Dada la expectativa de que los museos conservarán las obras durante generaciones, siglos, tal vez incluso para siempre, la gran cantidad de preguntas difíciles que surgen en torno a este tipo de obras van más allá de las preocupaciones más típicas de cómo retocar una pintura al óleo o reparar una grieta en una escultura. .
¿Cómo se conserva un globo que contiene el aliento del artista (se llama “Aliento del artista” ) y que inevitablemente se va a desinflar? (Tate Modern.)
¿Qué pasa con el arte basado en computadora cuando la computadora o su software están desactualizados y ya no pueden funcionar? ¿O las muchas piezas que se han creado a partir de luces fluorescentes cuando las luces fluorescentes ya no se fabrican?
La respuesta, para algunos, es un concepto tan elevado como el arte.
“Una vez que piensas que el arte es una idea y el material es secundario, no importa si ese material dura mucho tiempo”, dijo Melissa Chiu, directora del Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn del Smithsonian en Washington. El Hirshhorn tiene sus propios especialistas en conservación que tienden al arte creado a partir de materiales «basados en el tiempo» que se degradan. “Muchos de ellos son realmente desafiantes. En cierto modo, el papel del museo es preservar la obra para siempre «.
La atención se centra tanto en la idea que, en algunos casos, los materiales no duran más que el final de la exposición. Al igual que las obras que involucran plátanos o cuscús, el objeto de arte se desecha pero la idea de arte sigue viva, para ser recreada en el futuro según las instrucciones del artista.

“Lick and Lather” (1993-1994) de la artista Janine Antoni, retratos de la artista en chocolate (izquierda) y jabón, que fueron creados a partir de moldes y luego lamidos o lavados por la artista.Crédito…HirshhornMuseum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution

Los desafíos de Hirshhorn incluyen «Lick and Lather», una obra de política de género que involucra dos bustos de la artista Janine Antoni, uno hecho con chocolate y el otro con jabón, que desgasta lamiendo y lavando, y que el museo conserva en fresco almacenamiento cuando no está en exhibición.
Otra de sus piezas, “palimpsesto”, de la artista Ann Hamilton, involucraba caracoles devorando coles . Los curadores tenían que asegurarse de que las coles fueran del tipo que los caracoles podían comer y, finalmente, deshacerse de los caracoles.

El «palimpsesto» de Ann Hamilton de 1989, una meditación sobre la memoria, incluía caracoles que se alimentaban de dos cabezas de repollo. Crédito…Ann Hamilton, vía Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington

Un ejemplo famoso de arte creado a partir de materia orgánica es «Apple» de 1966 de Yoko Ono, que presenta una manzana sobre un pedestal de plexiglás . Cuando se mostró en el Museo de Arte Moderno en 2015, la manzana se compró en una tienda en la calle 53 y se reemplazó un par de veces durante los cuatro meses de la exposición, dijo Christophe Cherix, uno de los curadores que organizó la muestra. .
Pero nunca se preocupó de que la gente lo robara.
“Una vez que lo quitas de su pedestal, es solo una manzana”, dijo.
A principios de este año, el Museo Whitney de Arte Estadounidense fue más allá: exhibió una obra de arte de Darren Bader con 40 piezas de frutas y verduras, desde rambutanes hasta frutas estrella y rábanos daikon, obtenidos y renovados de una entrega semanal de Fresh Direct y viajes regulares. a un mercado de frutas cercano de Chelsea.
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La instalación de Darren Bader en Whitney reinventó frutas y verduras como escultura.Crédito…a través del Museo Whitney de Arte Americano

La obra de Bader, expuesta este año, utilizó pedestales para presentar las 40 piezas como objetos formales. Crédito…a través del Museo Whitney de Arte Americano

¿El punto del espectáculo? Ver “frutas y verduras como funcionan como esculturas”, dijo Christie Mitchell, curadora. «Te encuentras admirando un bulbo de hinojo de la misma manera que lo harías con un busto de mármol tallado». Antes de que perdieran su frescura, los objetos de arte se lavaban, picaban y servían regularmente a los visitantes en una ensalada.

El trabajo de Darren Bader «lasaña con heroína» consistía en inyectar lasaña con heroína. La galería reemplazó la lasaña tres veces durante su exhibición en 2012. Los compradores recibieron un certificado de autenticidad con instrucciones sobre cómo recrearla.Crédito…a través del Museo Whitney de Arte Americano

Otra obra del Sr. Bader, expuesta en Londres, estaba hecha de una rebanada de lasaña inyectada con heroína y presentaba diferentes problemas de abastecimiento. “Compramos la lasaña de Marks and Spencer y la heroína de un comerciante”, dijo la galerista, Sadie Coles, quien montó el espectáculo. Ella dijo que el trabajo es «ridículo, sin sentido y divertido en concepto, pero también evocador y melancólico, y como todo el trabajo de Bader nos hace cuestionar las ideas aceptadas de autoría, valor y plausibilidad».

Modelo de Kader Attia de una antigua ciudad argelina hecha de cuscús, un alimento básico del norte de África. Crédito…Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York / ADAGP, París

En el Guggenheim, para un espectáculo de 2016, la Sra. Stringari y el personal del museo cocinaron cuscús según la receta específica del artista Kader Attia , junto con pasta para papel tapiz y sal para mantenerlo unido y disuadir el moho. Su personal, con la ayuda de la artista, utilizó moldes de acero inoxidable para recrear el modelo de la ciudad desértica de Ghardaia, que el Sr. Attia diseñó como un comentario sobre el colonialismo. La ciudad inspiró a los arquitectos occidentales, pero rara vez reconocieron su influencia.
Durante los tres meses de la exhibición, el equipo del museo monitoreó la escultura en busca de plagas como insectos. Aparecieron grietas, pero ese era uno de los puntos, que reflejaba la edad de la antigua ciudad. Cualquier cuscús que se cayera fue barrido.
Otro artista cuyo trabajo está al cuidado de la Sra. Stringari, Dan Flavin, usó tubos fluorescentes en su arte. La Sra. Stringari dijo que los tubos, que antes eran fáciles de comprar, ahora tienen que hacerse a medida. Le preocupa cómo conservará el arte de Flavin cuando los tubos ya no estén disponibles. “Los tubos rojos son muy difíciles de conseguir”, dijo. «Contienen mercurio».
Aunque Flavin no se consideraba a sí mismo un artista conceptual, hay aspectos conceptuales en su trabajo. La Sra. Stringari dijo que los conservadores deben pensar cuidadosamente sobre los fundamentos conceptuales de todas las obras y si las reparaciones están preservando el concepto.
“Tenemos que tomar decisiones constantemente sobre cómo vivirán en el futuro”, dijo.

El artista Dan Flavin encontró belleza en los colores, la luz y la disposición geométrica de los tubos fluorescentes. Pero los tubos, que antes se fabricaban comúnmente, ahora deben fabricarse a medida.Crédito…2018 Stephen Flavin / Artists Rights Society (ARS), Nueva York; Sally Ritts
Si pueden, los curadores que tengan preguntas consultan a los artistas cuando muestran dichas obras. Por lo general, pueden intentar entrevistar al artista sobre los protocolos de exhibición cuando aceptan una obra en su colección. A veces, como en la obra de Cattelan, los artistas dejan instrucciones escritas precisas que les durarán más.
Las ideas que sustentan el arte efímero a menudo incluyen inevitablemente conceptos como pérdida, mortalidad, vida y muerte.
En el caso de “Comedian”, el tema también es el mundo del arte en sí mismo, y las preguntas sobre quién decide qué constituye arte y las enormes cantidades de dinero que se gastan en él.
Perrotin, la galería que vendió tres ediciones de la obra en la feria Art Basel en Miami, dijo que «‘Comedian’, con su composición simple, ofreció en última instancia un reflejo complejo de nosotros mismos».
Una de las compradoras, Sarah Andelman, consultora de moda y creadora de tendencias francesa, escribió en un correo electrónico: “Me atrajo por su absurdo y el efecto que tiene en el público. Observé a todos los visitantes de Basilea tomando sus selfies y pensé que era un reflejo de nuestro tiempo «.
La Sra. Andelman dijo que aún no ha colgado a su «Comediante». Ella todavía está esperando las instrucciones, pero agregó que no tiene prisa. “Lo que creo que compré es una idea, un ‘concepto’ más que un plátano con cinta”, dijo en un correo electrónico.
Otro comprador, Billy Cox, sin embargo, dijo que lo había exhibido en su pared y sugirió que el proceso era relativamente sencillo.
Para él, también, el valor de la obra, y su significado, estaba en su comentario consciente sobre una sociedad donde cualquier plátano puede ser arte, y dijo en una entrevista en julio que estaba pensando en donarlo a una institución importante. .
«Desde donde nos sentamos, es una huelga de concepto», dijo. “Para nosotros fue un cambio de juego. Es muy indicativo de nuestra sociedad y de lo loca que se ha vuelto «.

Aún no se sabe cuándo lo mostrará el Guggenheim.
Cuando el museo lo hace, la Sra. Stringari dice que, con la ayuda de las instrucciones, tiene la tarea completamente bajo control.
«No creo que haya nada allí que diga de dónde tiene que venir el plátano o el tamaño», dijo. “La idea es que sea un plátano. Ve a comprar un plátano «.
Cuando se le preguntó si había pensado en dónde podría conseguir el plátano, dijo: «Creo que solo de la bodega local».