Guía con lo mejor de Art Basel Hong Kong, que empieza esta semana

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Una guía de los mejores espectáculos para ver en toda la ciudad

POR CHRISTIE LEE

Nilima Sheikh, Sarhad 2, 2014, tempera on Sanganer paper, 55 x 158 cm. Courtesy: Gallery Espace, New Delhi and the artist

Nilima Sheikh, Sarhad 2, 2014, tempera on Sanganer paper, 55 x 158 cm. Courtesy: Gallery Espace, New Delhi and the artist

Nilima Sheikh, ‘Lines of Flight’
Asia Art Archive
22 March – 30 June

 

Famosa por su belleza natural, Cachemira fue descrita como el “paraíso en la tierra”. Embarcada en la disputa territorial entre India, Pakistán y China tras la independencia de la India en 1947, se ha convertido en la obsesión de Nilima Sheikh en una carrera que abarca más de 50 años. Gran parte del trabajo del artista basado en Gudjarat habla de las dualidades que caracterizan a la región devastada por la guerra: frágil pero desafiante, mística a la vez que moderna, con ideas de migración y exilio forzado que resaltan sus resplandecientes paisajes. Mientras que las pinturas al temple de Sheikh son soñadoras e infunden influencias que van desde pinturas manuscritas persas a la poesía del autor chino Li Bai y la escritura de Salman Rushdie, sus galerías de símbolos, más ilustrativas; a veces caprichosa, creada en las últimas dos décadas, son las estrellas del espectáculo. Para iluminar el proceso creativo del artista está la pintura al temple Sarhad 2 (2014), que contiene una cita de The Collaborator, la novela de Mirza Waheed de 2011 sobre el conflicto de Cachemira. Evitando el didacticismo sobre su problemática política, ‘Lines of Flight’ habla de un esfuerzo por descubrir, rastrear y conmemorar la historia de este estado principesco, incluso si este recuerdo permanece incompleto.

Mrinalini Mukherjee, Kamal, 1985, hemp. Courtesy: the Kiran Nadar Museum of Art, New Delhi

Mrinalini Mukherjee, Kamal, 1985, hemp. Courtesy: the Kiran Nadar Museum of Art, New Delhi

‘A Beast, A God, And a Line’
Para Site Art Space
17 March – 20 May

‘Una bestia, un Dios y una línea’
Para Site Art Space
17 de marzo – 20 de mayo

Para Site es conocido por montar ambiciosos espectáculos grupales y ‘A Beast, A God, And a Line’ no es una excepción. Presentado por primera vez en la Cumbre de Arte de Dhaka, el espectáculo está comisariado por Cosmin Costinas y comprende obras de 55 artistas de la región de Asia y el Pacífico. En conjunto, es un retrato conmovedor de una región antigua que cambia para siempre.

Algunas obras abordan el polémico papel del índigo, como pigmento asociado durante mucho tiempo con el intercambio global a lo largo de la Ruta de la Seda, evidenciado en los Cuentos viajeros de Lavanya Mani – Blueprints (2014), pero también en un color contaminado por la supresión, como lo demostró Sin título de Manish Nai. (2017). Un conjunto de cinco burlaps índigo, su construcción tenue revela el desastre sociológico que resultó de la insistencia de los colonialistas que los agricultores locales cultivan añil en lugar de los cultivos alimentarios necesarios para la supervivencia. Basado en un intercambio de cartas entre dos realizadores, Nguyen Trinh Thi’s Letters from Panduranga (2015) destaca el último territorio sobreviviente del antiguo reino de Champa (ahora centro y sur de Vietnam). Kamal (1985), del escultor indio Mrinalini Mukherjee, ofrece un espíritu más boyante. Anudado del cáñamo, la forma deliciosamente amorfa recuerda una vagina o una planta carnívora. Pero si el arte fue para proporcionar cualquier tipo de guía para imitar un mundo cada vez más complejo, la serie ‘Fields of Sights’ de Gauri Gill es un fuerte contendiente. Las fotografías de paisajes en descomposición están inscritas con dibujos del artista indígena Warli Rajesh Vangad, que apuntan a la posibilidad de una especie de renacimiento naturalista basado en el respeto mutuo.

Jiang Zhi, Going-and-coming 2016-06, 2016, oil on polyester 83 x 71 cm. Courtesy: artist and Blindspot Gallery, Hong Kong

Jiang Zhi, Going-and-coming 2016-06, 2016, oil on polyester 83 x 71 cm. Courtesy: artist and Blindspot Gallery, Hong Kong

Jiang Zhi, ‘Going and Coming’
Blindspot
27 March – 12 May

Jiang Zhi, ‘Ir y venir’
Punto ciego
27 de marzo – 12 de mayo

Comisariada por Leo Li Chen, ‘Going and Coming’ es un retrato de un artista ferozmente comprometido con la documentación de la belleza de la vida, aunque siga siendo fugaz. En ‘Love Letters’ (2011-14), una de las tres series fotográficas presentadas, Jiang Zhi roció orquídeas exquisitamente formadas en alcohol, prendiéndolas en llamas y capturando el segundo derramado antes de que la vida se agote de las flores. El artista creó la serie después de la muerte de su esposa Ren Lan (‘Lan’ significa orquídea en chino) en 2011. Si el poder de la fotografía es su creación de un presente perpetuo, la repetición del momento en que la vida es usurpada por la muerte puede leerse como una metáfora.

En la serie ‘Going and Coming’ (2016-17), las mismas flores secas de ‘Love Letters’ se colocan en una mesa giratoria, capturadas en la cámara, antes de ser transpuestas al aceite en pinturas de poliéster. La tensión entre un “todo” y sus “partes” se explora en la serie “Fade” (2016-17), donde las flores reales en “Love Letters” y “Going and Coming” se intercambian con contrapartes artificiales.

Phillip Lai ‘In the Half Life’, 2018, installation view, Edouard Malingue Gallery, Hong Kong. Courtesy: Edouard Malingue Gallery, Hong Kong, and the artist

Phillip Lai ‘In the Half Life’, 2018, installation view, Edouard Malingue Gallery, Hong Kong. Courtesy: Edouard Malingue Gallery, Hong Kong, and the artist

Phillip Lai, ‘In The Half Life’
Edouard Malingue Gallery
27 March – 5 May

Phillip Lai, ‘En la vida media’
Galería Edouard Malingue
27 de marzo – 5 de mayo

No se toman posiciones definitivas en ‘In The Half Life’ de Phillip Lai. Mientras que los objetos en exhibición parecen familiares -una pila de lavamanos sucios, cilindros ahuecados, bombillas sujetas al fondo de un estante-, todos parecen estar atrapados entre funciones, como en la cúspide de la transfiguración, pero no bastante. Un toque poético se yuxtapone con un sentido del absurdo; los espectadores que buscan el significado se encontrarán en un callejón sin salida. En lugar de obligar a las obras a entregarse para ser leídas, Lai crea espacio para una mayor conciencia de la forma en que nos definimos en relación con nuestro entorno. Irónicamente, este estado de inquietud e intercomunicación toca acordes en nuestros tiempos de ansiedad.

Yeondoo Jung, The Mill, 2018, video still. Courtesy: the artist

Jung Yeondoo, A Girl in Tall Shoes, 2018, film still. Courtesy: Centre for Heritage, Arts and Textile, Hong Kong, and the artist

‘(In)tangible Reminiscence’
The Annex
24 March –  22 April

‘(In) Reminiscencia tangible’
El anexo
Del 24 de marzo al 22 de abril

Organizado por el Centro de Patrimonio, Artes y Textil ‘(In) Reminiscencia tangible’ este espectáculo de tres personas es un viaje por el carril de la memoria. Al unir lo personal y lo colectivo, lo digital con lo táctil, la exhibición actúa como una carta de amor a la industria textil de Hong Kong. Cuando era niño, una de las actividades favoritas de la artista Sarah Lai era pasear por los grandes almacenes japoneses de Hong Kong. Aquí, esos recuerdos se manifiestan en una boutique de modas de moda, con salas de montaje, sofás, perchas y escaparates. La pieza de video de dos paneles del artista coreano Yeondoo Jung, A Girl in Tall Shoes (2018), cuenta la historia de un trabajador textil jubilado que emigró de China continental para trabajar en una fábrica de Hong Kong hace muchas décadas. Su historia es también la de muchos otros, ya que durante su apogeo, en la década de 1970, la industria textil empleaba a más de 30,000 trabajadores. Mientras tanto, el japonés Iwasaki Takhiro literalmente da forma a la memoria, al modelar el paisaje urbano de Hong Kong a partir del algodón en bruto, las redes de pesca y la tela. La pregunta que queda es ¿qué rol, si alguno, cumple la industria textil en la construcción de Hong Kong y su identidad?

Doug Aitken, Inside Me, 2018. Courtesy: the artist and 303 Gallery, New York

Doug Aitken, Inside Me, 2018. Courtesy: the artist and 303 Gallery, New York

Doug Aitken
Massimo de Carlo
27 March – 19 May

Doug Aitken
Massimo de Carlo
27 de marzo – 19 de mayo

La ironía de exhibir las piezas reflectantes de Doug Aitken en el Edificio Pedder, uno de los últimos edificios de ladrillo rojo en un distrito famoso por sus fachadas brillantes, no se pierde. Mientras Inside me (2018) se dice que “cristaliza” eventos y momentos en nuestra edad acelerada, es Mirage (2017) que astutamente captura lo que significa “inmersión” en la edad cuando es más probable que nuestras cabezas estén dobladas sobre una pantalla de iPhone que un libro. Encaramado en lo alto de las montañas de San Jacinto en California, Mirage era una casa suburbana de estilo rancho erigida enteramente de espejos, que reflejaba todo, desde el paisaje circundante y el cielo hasta el transeúnte. Cuando finalmente fue desmantelado, Aitken capturó el proceso en un video de cuatro minutos. La perspectiva se quiebra y las dimensiones se multiplican. Un dispositivo de encuadre que proyecta imágenes constantemente permeables, Mirage es un guiño al arte terrestre de mediados del siglo XX, mientras reflexiona sobre la forma en que vemos, y vemos, en el siglo XXI.

Samson Young, Palazzo Gundane (homage to the myth-maker who fell to earth), 2017, video still from video installation and 10-channels sound installation. Courtesy: the artist

Samson Young, Palazzo Gundane (homage to the myth-maker who fell to earth), 2017, video still from video installation and 10-channels sound installation. Courtesy: the artist

Samson Young, ‘Songs for Disaster Relief’
M+
9 February – 5 May

Samson Young, ‘Canciones para el alivio de desastres’
M +
9 de febrero – 5 de mayo

Google ‘solteros de caridad’ y muy pronto te toparás con ‘¿Saben, es Navidad?’ Grabado por primera vez para Band Aid en 1984 como respuesta a la hambruna de Etiopía, el clásico (y para muchos, condescendiente) ha sido grabado y reproducido innumerables veces. Expuesto por primera vez en la 57ª Bienal de Venecia el año pasado, “Songs for Disaster Relief” de Samson Young en M + presenta una ambiciosa disección de las fuerzas que rigen la representación de tales canciones. Para la pieza central del espectáculo, el artista reclutó al colaborador Michael Schiefel para enfrentarse al alter ego de Boomtown Gundane, un cantante y compositor de Ciudad del Cabo que escribió la canción ‘Yes We Do’ como una réplica a ‘Do They Know It’s Christmas?’ Como espectadores caminan por el espacio, son bombardeados con una colección incongruente de objetos: tambor, trompetas, una copia manoseada de El mito de Sísifo de Camus, un letrero de neón “Heartbreaker”. Pero, por desgracia, Boomtown resultó ser una invención, y todo el incidente fue fabricado para recaudar dinero para una causa benéfica. En una habitación separada, hay un video del coro de la Federación de Sindicatos de Hong Kong susurrando el single de 1985 “We Are the World”. Pero tal vez la pieza que realmente golpea a casa sea la más difícils Lullaby (2017), donde Young es filmado cantando el siempre popular ‘Puente sobre aguas turbulentas’ a bordo de un sampán, excepto que en este caso, las letras originales son reemplazadas por la expresión tonta de los números cantoneses.

Un comentario Agrega el tuyo

  1. Genial post. Gracias por publicarlo…Espero màs…

    Saludos

    Me gusta

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