La 58ª Bienal de Venecia, revisada por la editora de Frieze

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Revisión de la 58a Bienal de Venecia: Brillantez y destello

por Jennifer Higgie, editorial director de Frieze.

En la exposición de Ralph Rugoff  “Que vivas en tiempos interesantes”, la desorientación está a la orden del día.

OK, vamos a sacar ese título del camino. Una maldición china ficticia mal citada por un estadista británico, “que vivas en tiempos interesantes” no fue el saludo bien intencionado que puedes deducir, sino que era, más bien, una forma de desearle al receptor lo contrario de la paz. Como título de una mega exposición, su sugerencia de citas erróneas y ambigüedad es a la vez evasiva y acertada: la curaduría de Ralph Rugoff es una mezcla de brillo y destreza, sutileza y fallas.

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Nicole Eisenman, Morning Studio, 2016, óleo sobre lienzo. Cortesía: el artista y Anton Kern Gallery, Nueva York.

Hechos: ‘May You Live in Interesting Times’ incluye principalmente trabajos nuevos o novedosos de 79 artistas y colectivos de 38 países (en comparación con 120 artistas de 51 países en 2017) y se organiza en dos lugares: el Pabellón Central en el Giardini y en el Arsenale, un lugar tan grande que se usaba para construir barcos en él. Y también es la primera vez en la historia de la Bienal que la mitad de los artistas incluidos en la muestra son mujeres. ¡Aleluya! (Aunque es tan triste / enfurecedor que, en esta época, todavía hay algo que comentar.) Rugoff ha dejado claro, o mas bien un poco confuso, que, a pesar de las complejidades de los (tiempos) “interesantes” mencionados anteriormente, y el hecho de que los grandes problemas du jour – desde el cambio climático hasta el nacionalismo, los males del racismo, la disparidad de la riqueza y el ‘impacto generalizado de las redes sociales – dominan la imaginación de muchos de los artistas del espectáculo:’ el arte es más que un documento de su tiempo y, como tal, no hay una narrativa o una sombrilla temática de arqueo ‘. Esta es una bendición mixta: en el mejor de los casos, permite que las ideas canten en un espacio de su propia creación; en el peor de los casos, las canciones son cacofónicas.

Rugoff dividió el programa en “Proposición A”, en el Arsenale, y “Proposición B”, en el Pabellón Central; cada lugar destaca diferentes aspectos de la práctica de un artista. (En general, el trabajo en el Arsenale es, como si se hiciera eco de la arquitectura, en una escala más grande.) Rugoff ha declarado que fue influenciado por el libro The Open Work (1962) de Umberto Eco, que, según él, “llamó la atención sobre la capacidad del arte para inspirar nuevas formas de ver y comportarse, que él vinculó con su implacable prueba y cuestionamiento de las normas y estándares culturales ‘. En general, de hecho, la influencia de las nuevas tecnologías afecta, de varias maneras, a todos los trabajos que se muestran aquí.

La exposición del Pabellón Central se abre con un final, de todo tipo. El It’s Over (2019) de Antoine Catala es un trabajo de pared grande, cubierto de silicona y color pastel, que consta de nueve paneles de succión; cuando se bombea el aire, aparece una frase placentera en relieve (y sí, esa palabra es ambigua): “Todo está bien”, “Oye, relájate” o “No te preocupes”. Aunque lo hice. Pensé en la famosa máxima de F. Scott Fitzgerald de que “la prueba de una inteligencia de primera categoría es la capacidad de tener en mente dos ideas opuestas al mismo tiempo y aún así conservar la capacidad de funcionar” (‘The Crack-Up’, 1936 ).

La desorientación está a la orden del día. Caminé por un pasillo tan deslumbrantemente blanco que me tome de  una pared para no desestabilizarme (Ryoji Ikeda, Spectra III, 2008/19). Los ojos y la cordura se suavizan en la hipnotizante Quimera de Haris Epaminonda (2019), una película de Super-8 que evoca a la bestia híbrida de su título que se desliza por  una duna a través de las rayas de una manada de cebras abstractas, como caras lejanas de pinturas clásicas, bailarinas y diamantes. En un momento dado, la cámara del artista se centra en los cuerpos conservados de Pompeya; figuras desgarradoras y eternamente congeladas en su momento de muerte. La metáfora del cuerpo fragmentado es algo así como un hilo que se teje a lo largo del espectáculo: en los extrañamente tiernos estudios de cemento de Yu Ji, “Flesh in Stone” (2012-2018); en las fotografías de Maria Loboda de objetos históricos que se están limpiando (Zero Dynasty II y V, 2017); en las máscaras de cerámica inquietantemente viscerales de Cameron Jamie (Sin título, 2014-2015);  y en las delicadas pinturas acrílicas de Otobong Nkanga que representan la mezcla de partes humanas con un árbol, una cuerda, un cactus (Extraction, 2019).

A pesar de la novedad de la mayoría del trabajo en el programa, hay una fuerte sensación de que todo está un poco arruinado, tanto literal como simbólicamente, aunque, como deja claro Ed Atkins en su visión que afecta profundamente al horror y la esperanza, Old Food (2018): “No hay nada viejo en lo digital”. Una cita de Mike Kelley zumba en el corazón de la instalación de Atkins en Arsenale, que incluye videos digitales, trajes de ópera y textos de pared: “Para tomar conciencia de estos detalles, uno se debe imaginar impasible. cortado en partes, deformado, no muerto “. También cita a Marcel Proust:” La necesidad de ser amado con mayor precisión, la necesidad de ser acariciado y mimado, mucho más que la necesidad de ser admirado “. (‘Cuestionario de Proust’, 1890) . Los diez dibujos siniestros y absurdos de Atkins de una mano que sostiene una tarántula, su cara superpuesta al abdomen de la araña (Bloom, 2018), aparecen en momentos extraños en el Pabellón Central: silenciosos y divertidos recordatorios de lo extraños que podemos ser, incluso para nosotros mismos .

Hay una gran cantidad de pinturas fuertes en el espectáculo: el homenaje de Jill Mulleady a Edvard Munch; la respuesta de Michael Armitage al caos de las elecciones generales de Kenia de 2017; los nuevos retratos de Njideka Akunyili Crosby; George Condo y la minería e historias personales y políticas de Henry Taylor. Un aspecto destacado es la fusión cósmica de Nicole Eisenman de lo cotidiano y la eternidad en cinco grandes pinturas nuevas: cuanto más se ve, más se ve. Se exhiben en una de las salas más fuertes del Pabellón Central, junto con las esculturas fantásticamente creativas de Jean-Luc Moulène: una Madonna de terracota sin manos (Domatrice, 2019), una cabeza de bronce que es principalmente un agujero (Masque (Marc Gilbert) París, 2017 ), entre otros, y el enigma de Rosemarie Trockel de una instalación, Grupo de artículos (2019). Es un diálogo infinitamente rico. Nada aquí, a pesar de su confianza, es inflexible y, como tal, hay espacio para respirar y pensar. Si solo fuera así siempre. En la conversación organizada en otra sala entre un grupo de artistas brillantes, Nairy Baghramian, Condo, Jimmie Durham, Julie Mehretu y Taylor, fue difícil para alguien decir una palabra. Del mismo modo, la lógica de ubicar las esculturas de Carol Bove de cerca. La proximidad a las pinturas de Akunyili Crosby y Avery Singer y las fotografías de Anthony Hernández se me perdieron.

Vivimos en una época grandilocuente: tal vez la mejor manera de ser escuchado es, por el contrario, bajar la voz. En mi opinión, algunos de los trabajos más gratificantes en esta enorme exposición fueron los más silenciosos. Las maravillosas “Torres de la abuela” de Suki Seokyeong Kang (2013–19), por ejemplo: retratos escultóricos de la abuela de la artista que se inspiran en su herencia coreana, hecha de tejidos y materiales tan frágiles que podrían volar. Los alegres tapices de Ulrike Müller, las pinturas de esmalte y los monotipos que mezclan la abstracción con la figuración son como una bebida fría en un agradable bar al que te has escapado después de que te griten. Como siempre, el humor tiene una forma de enfocar la mente con los toques más ligeros. La cabeza de pensamiento de Lara Favaretto (2019) es un intento maravillosamente inútil de ilustrar la complejidad humana con objetos. ¿Duda de ti mismo? Bolas de cañón. ¿Identidad? Una gran caja negra. En el otro extremo de la escala, el gigantesco No puedo ayudarme a mí mismo de Yuan y Peng Yu (2016), un frenético robot industrial en una jaula de vidrio que raspa sin cesar un charco de líquido rojo sangre.

A veces, los intentos de reflejar la cacofonía del mundo en sí mismos perpetuaron lo mismo que el trabajo parecía criticar: el frenético collage de videos de Christian Marclay 48 War Movies (2019) es como una colcha de paz que se volvió loca, mientras que el intento de Ikeda de comprimir todo el universo en un solo video, data-verse 1 (2019), me dejó mareado y no más sabio. A la inversa, una de las salas más oportunas y oportunas es la más oscura: la elegante instalación de sonido multicanal de Shilpa Gupta, For In In Tongue I Cannot Fit (2017–18), conmemora las palabras de 100 poetas, desde el siglo VII hasta el reciente tiempos, quienes fueron encarcelados o ejecutados por sus creencias políticas. (El título es una línea de un poema del místico poeta azerbaiyano del siglo XIV Seyid İmadeddin Nesimi, quien fue desollado por decir lo que piensa). 100 micrófonos están suspendidos sobre 100 púas de metal, cada una de las cuales perfora un pedazo de papel inscrito Con un fragmento de un poema. Los micrófonos funcionan como oradores, transmiten poemas en árabe, azerí, inglés, hindi, ruso y español. En una entrevista reciente, Gupta dijo que ella creó la instalación para resaltar “la fragilidad y vulnerabilidad de nuestro derecho a la libertad de expresión hoy”.

Los horrores del racismo se repiten como una pesadilla que es demasiado real: inolvidable, en la nueva película de Arthur Jafa, The White Album (2018), que yuxtapone clips de supremacismo blanco con retratos cariñosos de amigos, y más oblicuamente en el estudio de Korakrit Arunanondchai y Alex Gvojic de una comunidad de humanos y no humanos, No hay historia en una sala llena de personas con nombres graciosos 5 (2019). BLKNWS de Kahlil Joseph (2018 –en curso) es un fascinante collage digital de dos canales que se mueve entre entrevistas, noticias, fragmentos de películas y series de televisión. Proyectado en una gran impresión de soldados negros, el trabajo salta hacia atrás, luego hacia adelante y luego hacia atrás otra vez en el tiempo. En un momento dado, el poeta Fred Moten declara: “Nunca se te escapa”. Como, “me escapé!” ¡No! Y lo que eso significa es que de lo que estás escapando siempre está detrás de ti. Siempre está en ti. Los tiempos interesantes, de hecho.

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